Recensione Narrativa: SPIRALI di Jeffery Deaver.

Autori: Jeffery Deaver.
Titolo Originale: Twisted, 2003.
Genere: Antologia Thriller.
Editore: Sonzogno (2004).
Pagine: 408.
Prezzo: 11,00 euro.

Commento a cura di Matteo Mancini. 

PROSSIMAMENTE

Recensione Narrativa: RELIC di Douglas Preston & Lincoln Child.

Autori: Douglas Preston & Lincoln Child.
Anno: 1995.
Genere: Horror / Thriller.
Editore: Sonzogno.
Pagine: 378.
Prezzo: 10,85 euro.

Commento a cura di Matteo Mancini. 

Arriva per la prima volta sul blog la coppia Preston & Child, un'occasione unica per avviare un'analisi sulla narrativa di genere thriller e avventurosa, ricca di contaminazioni action e horror. Un percorso che darà seguito a un approfondimento su autori di grande successo commerciale come James Rollins, Matthew Reilly, Jeffery Deaver, William Katz, Donato Carrisi, Mo Hayder e altri, che troveranno sempre più spazio su queste pagine.

Douglas Preston e Lincoln Child battezzano il loro debutto letterario nel 1995 con la pubblicazione di Relic, vendendo qualcosa come un milione di copie e conquistando i diritti per l'adattamento cinematografico, poi diretto nel 1997 da Peter Hyams. Basi fin da subito solide, al punto da dare seguito alla celebre saga dell'agente dell'FBI Aloysius Pendergast, un personaggio costruito attingendo direttamente agli insegnamenti lasciati da Sherlock Holmes. Aristocratico, colto e appassionato d'arte. Svolge il lavoro di poliziotto più per hobby che per necessità. Nel corso della serie, diverrà protagonista di un fil rouge che lo vedrà contrapposto al fratello. Ventidue i romanzi che lo riguardano, scritti a quattro mani dal 1995 al 2024, a cui si aggiungono altre serie (per un totale di ulteriori sedici romanzi) e le rispettive opere soliste, per una prolificità della coppia ai massimi livelli. Le storie di Preston & Child sono caratterizzate da un forte retrogusto horror, seppur costruite sullo schema del thriller/giallo alla X-Files. Criptozoologia, complotti, ufologia, serial killer, vampiri, misteri antropologici, avventura e persino viaggi nel tempo connaturano il ventaglio di soluzioni offerte dall'ispirato binomio, oggi reputato tra quelli di maggior successo in assoluto nel panorama contemporaneo.

Esperto di archeologia e di spedizioni scientifiche in ambienti esotici, Douglas Preston (classe 1956) associa il suo bagaglio tecnico a quello apportato dal collega Lincoln Child (di un anno più giovane), raffnato editor e cultore del genere horror. Il risultato finale è una perfetta alchimia tra rigore documentaristico, suggestioni gotiche e ritmi serrati da bestseller. Caratteristica specifica delle loro storie è l'impostazione scientifica attraverso la quale spiegano fatti in apparenza assurdi o fantastici. Curiosa la loro metodologia di lavoro: residenti in città diverse, condividono una scaletta iniziale e si assegnano singoli capitoli revisionando poi via email quelli dell'altro fino ad assemblare il tutto in un'ottica condivisa.

 Il mostro di Relic realizzato da Stan Winston per il cinema.

LA RECENSIONE DEL LIBRO

Debutto sfolgorante della coppia Preston & Child che vende oltre un milione di copie amalgamando idee già ben conosciute dagli appassionati della narrativa di genere. Relic è un classico romanzo derivativo di impronta cinematografica, a metà strada tra horror e action, che deve molto a Jaws (“Lo Squalo”) di Peter Benchley, da cui deriva tutta la parte dell'inaugurazione della mostra sulla superstizione giudicata irrimandabile (ne deriverà il pandemonio) dai responsabili del museo di Storia Naturale di New York (con beffeggiamento e intralcio politico dei poliziotti che vorrebbero chiudere il museo), ma anche a Lovecraft (spunto iniziale del reperimento di un diario di un ricercatore e di una statuetta di un demone di una specifica popolazione amazzonica ovvero la tribù Kothoga del bacino superiore del Rio delle Amazzoni), a Il Fantasma dell'Opera di Gaston Leroux (tutta la parte nei sotterranei del museo tra insidie, vicoli ciechi e trappole), a Dracula di Bram Stoker (da cui viene ripresa la parte della morte dell'intero equipaggio della nave che trasporta le casse spedite in Inghilterra), a Jurassic Park (l'ambientazione immersa tra gli scheletri dei dinosauri e dei grandi mammiferi), The Lost World (“Il Mondo Perduto”) di Conan Doyle (idea del promontorio vergine su cui sopravvivono forme preistoriche di fauna e di vegetazione), King Kong (l'idea del mostro vezzeggiato e venerato dagli indigeni alla stregua di un dio) e ad Aliens Scontro Finale di James Cameron col mostro che elimina, uno a uno, gli incursori dell'esercito tra sparatorie e squartamenti. Queste sono le coordinate del romanzo, peraltro dilatato in più punti e condotto con un'impostazione corale. Aloysius Pendergast, agente dell'FBI che indossa abiti di Armani rigorosamente neri, tende a spiccare sul resto della compagnia per la sua parlantina sciolta e la cultura ben superiore alla media, ma non può definirsi il protagonista assoluto della vicenda. E' solo il fiore all'occhiello d una pletora di personaggi ben scritti, molti dei quali con ruoli determinanti. È il caso del Tenente D'Agosta, che tornerà anche in altri romanzi della serie, della dottoranda Margo Green, del Dr Frock con la sua tesi sull'Effetto Callisto ("dal mito greco secondo il quale una giovane donna si era trasformata di colpo in una creatura selvaggia"), il giornalista William Smithback alla caccia dello scoop della vita e dell'ottuso agente dell'FBI Coffey, mosso dalla politica per arginare Pendergast e la sua volontà di bloccare l'inaugurazione della mostra. Tutti inizialmente pensano di avere a che fare con un serial killer asserragliato nei sotterranei del museo e dal modus operandi alquanto grandguignolesco. Le vittime vengono trovate decapitate, con i crani scoperchiati e il cervello in parte asportato. Il rinvenimento di un artiglio simile a quello di un dinosauro e l'impiego di un programma informatico assai evoluto (questa è la parte meno riuscita del testo) consentiranno, mediante anche la scansione del DNA, di capire di essere alle prese con un mostro criptozoologico, una creatura a metà strada tra un rettile e un primate che potrebbe essere stata responsabile dell'estinzione dei dinosauri e che secondo una leggenda di una tribù di indigeni estinta ("una setta di stregoni che sapevano farsi obbidre dai demoni") sarebbe Mbwun - Colui che cammina a quattro zampe - un demone utilizzato per compiere vendette. Segue la mattanza finale, per un romanzo che poggia molto sulle affascinanti scenografie interne del museo delineate con competenza da Douglas Preston che, in gioventù, ha lavorato proprio in quei luoghi. Convince molto meno il tentativo di conferire al mostro una base pseudo-scientifica, immaginando un virus di natura vegetale capace di trasformare un organismo umano in un qualcosa di bestiale costretto a nutrirsi di fibre vegetali particolari o, in alternativa, dell'ipofisi (torna l'idea del vampiro che uccide perché costretto). I rimandi ai programmi informatici di elaborazione dati stile quelli visti nei romanzi di Isaac Asimov lasciano perplessi e ottengono l'effetto contrario a quello voluto ovvero rendono meno verosimile la costruzione. Non si capisce infatti come si possa da una traccia di DNA sconosciuto determinare l'intera morfologia di un animale e, per tale vie, individuarne i punti deboli verso cui dirigere i proiettili. Ben congegniate le parti horror, con livello della tensione che raggiunge spesso buoni vertici, oltre che tutta la descrizione del museo (bella la sequenza che porta la Green a imbattersi per la prima volta con la statuetta di Mbwun). Simpatico Pendergast che trova nell'odioso e ottuso collega Coffey la sua nemesi. Qualche taglio avrebbe garantito un ritmo maggiormente continuo. La parte finale è una continua alternanza di cambi di POV (sotterranei invasi dall'acqua, interno museo dove vanno in scena i combattimenti e area della mostra dove sono assiepati gli invitati tra morti e feriti gravi a cui si cerca di prestare soccorso), per tenere alto il ritmo e muovere contemporaneamente la storia da tre versanti diversi lasciando sempre dei cliffhanger per indurre il lettore a svoltare le pagine. Carino, ma nulla più. Di certo, intrattiene.

 

Douglas Preston & Lincoln Child.

 

"Lui sosteneva che l'evoluzione non sempre era graduale e che certe aberrazioni della vita breve - le specie mostruose - erano a volte una vera e propria diramazione dell'evoluzione stessa. L'evoluzione non era sempre causata dalla selezione casuale, ma l'ambiente poteva provocare improvvisi e bizzarri mutamenti in una specie."

Recensione Narrativa: MIA di Debora Parisi.

Autrice: Debora Parisi.
Anno: 2023.
Genere: Erotic Horror.
Editore: Scheletri Ebook.
Pagine: 76.
Prezzo: 7,30 euro.

Commento a cura di Matteo Mancini. 

Novella breve disponibile a prezzo vantaggioso che inaugura una serie di piccoli volumetti griffati Scheletri Ebook e firmati da scrittrici piuttosto conosciute nel circuito della narrativa di genere, che intrecciano l'horror tradizionale (nella fattispecie la demonologia e il tema del sogno lucido) a un erotismo che deborda nel pornografico. Dietro al racconto abbiamo Debora Parisi, giovane scrittrice già incontrata all'interno di antologie recensite su queste pagine (a esempio in Primordia), ma che è stata data alle stampe anche da editori quali Delos Digital e La Nuova Carne (antologia collettiva Fottuti Mostri). Studiosa di folklore italiano, leggende e mitologia, si cimenta qua in un progetto abbastanza estraneo alla sua produzione. L'impronta è cinematografica, il ritmo fluido. Lo stile è sufficientemente valido (c'è qualche ripetizione nella prima parte, ma si può sorvolare). La matrice della storia è derivativa e pesca a piene mani dalla pellicola Entity (1981) diretta da Sidney Furie (e tratta dal romanzo di Frank De Felitta), da cui arrivano le scene di una giovane adolescente e inizialmente passiva visitata di notte da uno spirito in cerca di sesso. A differenza del film, però, la Parisi caratterizza lo spirito e lo modella alla stregua del baubau del racconto di Stephen King The Boogeyman (1973). I due testi di riferimento vengono raccordati dalla sequenza con la tavoletta ouija di The Exorcist (1971) di William Peter Blatty, terzo importante riferimento del racconto. È proprio a seguito di una seduta spirita che lo spirito si libera dal suo stato ectoplasmatico. L'escamotage è quello classico dell'irrituale chiusura della seduta, soluzione che permette allo spirito di svincolarsi dai limiti incorporei per interferire direttamente con la ragazza. Il pregio della novella risiede tutto nel tentativo, piuttosto riuscito, di coniugare l'horror a un erotico estremo tendente al pornografico, plasmando una storia che definirei di "formazione sessuale". Nonostante la novella sia venduta sul mercato come “porno horror”, la catalogazione è decisamente limitante e riduttiva. La Parisi lavora sul suo personaggio protagonista, ne propone le paure, i traumi e soprattutto i complessi di inferiorità e le difficoltà a relazionarsi con l'altro sesso. Viene tratteggiata per tale via un'evoluzione che vede passare la giovane dalle fantasie sessuali in cui immagina di intrannersi con dei mostri alla concretizzazione delle medesime, dapprima nel ruolo di vittima di un incubus e poi da dominatrice dello stesso. Ne esce fuori un raccontino che si abbandona nei momenti topici alla scorciatoia della terminologia volgare (francamente non apprezzo queste derive, ma fior fiori di autori precedenti alla Parisi lo hanno fatto) ma che, al tempo stesso, conferisce sostanza psicologica alla vicenda, caratterizzandola e pilotandola al di là del mero intrattenimento offerto dai raccontini spicy per maschiacci pruriginosi.

Il racconto viene completato e impreziosito da una serie di ardite illustrazioni che rappresentano il mostro con una morfologia che rimanda a Venom.

Spinto dal discreto volume di vendite, Mia ha indotto Alessandro Balestra a confermare l'autrice nel suo catalogo, pubblicandole il più tradizionale Loup Ravat (opera decisamente più nei ranghi della produzione dell'autrice) e soprattutto l'ha indotto a dare continuità al progetto con una serie di pubblicazioni piccanti quali La Scolopendra d'Oro di Anna Silvia Armenise (autrice dell'accademia di Alessandro Manzetti) e Lovecantropia di Lilli Romero (nome di copertura di una scrittrice nota nel circuito), aventi entrambi in comune il mix tra orrore classico ed erotismo estremo. Particolari e piuttosto unici nel panorama underground italiano contemporaneo.

 

L'autrice DEBORA PARISI.

Recensione Narrativa: AQUILE DI SANGUE di Andrea Gualchierotti.

Autore: Andrea Gualchierotti.

Anno: 2026.
Genere:  Storico / Fantastico sottogenere Sword and Sorcery.
Editore: Edizioni Il Ciliegio.
Pagine: 168.
Prezzo: 14.00 euro.

Commento a cura di Matteo Mancini.

Rispetta la cadenza di un romanzo ogni due anni il buon Andrea Gualchierotti, tra i massimi rappresentanti del “fantastico mediterraneo”, che torna su queste pagine - dopo le precedenti recensioni de I Principi del Mare ( http://giurista81.blogspot.com/2023/10/recensione-narrativa-i-principi-del.html) e I Campioni dell'Inferno (https://giurista81.blogspot.com/2024/09/recensione-narrativa-i-campioni.html) – con un nuovo romanzo. È infatti in rampa di lancio Aquile di Sangue, in uscita a novembre 2026, capitolo a metà strada tra il romanzo storico e la sword & sorcery. Nell'occasione lo scrittore romano sposta più a nord le ambientazioni delle sue avventure. Siamo infatti in Gallia, nel 486 d.c., ai tempi della caduta dell'Impero romano d'occidente. Gualchierotti parte dai personaggi storici realmente vissuti e dai luoghi delle battaglie tra i romani e le truppe barbare. Protagonisti sono due fratelli romani, signori di Durocortorum (l'attuale Reims), di vedute assai diverse rispetto all'espansione dei franchi. Cinico ed egoista Arrio, generoso e stoico Clodio. Lo scrittore li propone come due facce di una stessa medaglia rappresentante la città di Roma. La loro caduta assume quindi una valenza metaforica, strettamente correlata all'odio fratricida che aveva portato alla genesi di Roma. Così come era nata, Roma crolla (bello e a tratti poetico l'epilogo del testo). Il romanzo ha dunque una marcata impronta tragica e decadente, che si estrinseca in un'atmosfera cupa, tenebrosa, tra templi fatiscenti, incendi, esecuzioni sommarie, violenze e barbarie. La componente fantastica, seppur presente, ha un impatto inferiore rispetto ai precedenti romanzi dell'autore ed è rappresentata da una legione di soldati romani caduti nell'ignominia per essere fuggiti, quando erano in vita (nel 9 d.c.), al cospetto del pericolo nella battaglia di Teutoburgo. A essi affida il proprio proposito di vendetta Clodio, tradito dal fratello doppiogiochista e costretto alla cecità per aver tentato di ribellarsi all'egemonia franca. Fuggito dalla schiavitù cui era stato sottoposto e riconquistata la vista per effetto di un diabolico sortilegio correlato al mondo degli inferi, il romano avrà la sua vendetta, ma dal gusto amaro quanto inutile. Il vexillum a forma di lupa a lui concesso da Numonio Vala (altro personaggio realmente esistito), Generale delle forze degli inferi, gli consentirà di vendere cara la pelle, in un'eroica quanto sterile resa dei conti finale, utile solo a ricevere onori e rispetto post mortem dai truci avversari.

Elegantissimo e forbito il lessico, molto attento a tratteggiare scenografie e usi dell'epoca. Gualchierotti si conferma estimatore del periodo storico e narra con il piglio del saggista. Forse meno di genere rispetto ai sopracitati romanzi, Aquile di Sangue colpisce per la sua tragicità e la totale assenza di ironia, oltre ovviamente per la cura storica. È un romanzo cupo, che getta luce su un mondo disperato giunto al suo capolinea. Consigliatissimo per chi cerchi romanzi di ambientazione tardo-romana. Di occasione il prezzo del libro: appena 14 euro.

Recensione Cinema: STREET FIGHTER (2026) di Kitao Sakurai.

Produzione: Mary Parent (2026).

Soggetto: Capcom.

Sceneggiatura: Dalan Musson.

Regia: Kitao Sakurai.  

Montaggio: Luke Lynch. 

Fotografia: Ken Seng. 

Interpreti Principali: Andrew Koji, Noah Centineo, Callina Liang, David Dastmalchian, Cody Rhodes, Roman Reigns, Eric Andrè, Alexander Volkanovski...

Durata: 120 min.

 

Commento Matteo Mancini.

 

INTRODUZIONE.

Negli anni ottanta (e buona parte degli anni novanta) vi erano luoghi dove un ragazzino si sentiva nel paese delle meraviglie. Erano tempi diversi da quelli odierni. Non c'erano cellulari, televisioni con cento canali, non c'erano social network e non c'era youtube. Eppure erano tempi in cui era più facile sognare e in cui era possibile divertirsi semplicemente uscendo di casa, tra un pallone da calciare in un aia polverosa, una bicicletta che diventava una monoposto di formula 1 con cui sfidare gli amici, ritrovi più o meno privati in cui simulare una partita di calcio prendendo a ditate delle sagome di giocatori o immaginando battaglie militari su scala mondiale da condurre a colpi di dadi o magari fingendo di essere i gestori di un albergo di alto lusso attraverso il quale spillare le casse di chi aveva la sventura di fermarvisi in un'evoluzione del gioco dell'oca. E poi c'era il non plus ultra del divertimento: le sale giochi, piene zeppe di videogame di ogni genere: azione, fantasy, sport, wrestling, picchiaduro a scorrimento, inseguimenti stradali, battaglie aeree, battaglie terrestri, biliardi, strip poker, avventura... insomma, era impossibile non trovare la dimensione in cui evadere dalla realtà quotidiana per entrate in mondi immaginari che offrivano grafiche e velocità di gioco inarrivabili per le consolle dell'epoca (Atari, Sega Master System, Sega Mega Drive, Nintendo, Commodore e Amiga). I cabinati, così venivano chiamate le postazioni dove era possibile giocare (accomodandosi persino su sedili muniti di volante, pedaliera e cambio), erano vere e proprie attrazioni a basso costo per ragazzini e adolescenti non troppo maturi che si accalcavano come api sul miele, sia per fulminare la mancietta settimanale (dapprima 200 lire a partita, poi 400 e infine 500) sia per vedere gli altri giocare e apprendere mosse segrete o soluzioni innovative. Nel 1992, con Street Fighter II e Mortal Kombat, rispettivamente del 1991 e del 1992, arrivò una vera e propria rivoluzione nei videogiochi. Cartoonesco il primo, tridimensionale e più realistico il secondo. Calamitarono l'interesse dei ragazzini, proponendo sfide brutali uno contro uno alla meglio dei tre round. Colpi proibiti, mosse segrete e sangue a fiumi (soprattutto in Mortal Kombat) rappresentavano una nuova forma di videogioco che suscitò anche quale protesta sollevata dalle associazioni dei genitori. Niente più lo scorrimento (comunque rappresentato da capolavori assoluti quali Final Fight, Vendetta, Cadillac 'N Dinosaurs e Streets of Rage), ma un torneo in cui scegliere il proprio eroe (su otto proposti) e progredire di sfida in sfida (contro gli altri sette) verso il livello successivo dove attendevano i quattro combattenti non selezionabili dal giocatore (lo diventeranno con Street Fighter II ½). Un format dunque ispirato dal cinema, dai film di Van Damme che in quegli anni imperversava con pellicole quali Kickboxer (1989) e Lionheart (1990), che ispirerà a sua volta altri videogame come, a esempio, Tekken (1994). Il successo fu subito immediato. Street Fighter II in particolare dilagò nelle sale giochi, nei bar (non ce n'era uno che non avesse almeno un cabinato) e soprattutto negli stabilimenti balneari. Furono realizzate versioni per consolle e computer che vennero rese disponibili per tutte le principali case. Ricordo che avevo Mortal Kombat sul Gamegear della Sega, mentre un mio amico aveva Street Fighter II su Super Nintendo. Hollywood fu subito interessata al successo, sebbene veicolato da un contenitore forse troppo fantasy per funzionare davvero sul grande schermo. Pur se preceduti dall'insuccesso di Super Mario Bros (1993), in appena due anni uscirono Street Fighter (1994) e Mortal Kombat (1995), diretti da due registi promettenti quali Steven E. De Souza (che arrivava dall'aver scritto i copioni di action cult quali 48 Ore, Commando e soprattutto Die Hard e relativo seguito) e il non ancora trentenne Paul W. Anderson che, di lì a poco, avrebbe girato interessanti B-Movie quali Punto di non Ritorno, Resident Evil, Alien vs Predator e Deathrace. Per la produzione di Street Fighter si arrivò a ingaggiare il migliore attore che si potesse prendere per un film del genere: Jean Claude Van Damme. Le buone intenzioni di De Souza si scontrarono tuttavia in una lunga serie di vicissitudini contrarie che culminarono col tumore che avrebbe portato alla morte di Raul Julia (scelto per il villain) e i deliri cocainomani di Van Damme (nel ruolo di protagonista). Nonostante tutto i due film si comportarono bene al botteghino, incassando circa 100 milioni di dollari a testa a fronte dei 30 e dei 18 milioni di dollari investiti. Un successo non più replicato nè dai sequel né dai reboot. La percezione che ebbe il pubblico, infatti, fu deludente, tanto che il sequel di Mortal Kombat si rivelò un mezzo fiasco incassando meno della metà del primo capitolo e poco più del budget impiegato. L'aura di culto però, come spesso avviene, non ha tardato a manifestarsi, alimentata dai manga e dal continuo evolversi dei videogiochi da consolle. Così, a distanza di trent'anni, è iniziata l'era dei reboot. Nel 2021 è stato realizzato il nuovo Mortal Kombat, seguito proprio quest'anno dal sequel (con incassi inferiori rispetto alla pellicola di Anderson), mentre in questi giorni è uscito l'atteso reboot di Street Fighter che andiamo ora ad analizzare.

RECENSIONE DEL FILM

Sono passati oltre trent'anni dai magici anni novanta. Le sale giochi e i cabinati sono morti da decenni. La magia di quegli anni è evaporata, vuoi per il trascorrere degli anni, vuoi per i crescenti impegni della vita comune, quali il lavoro, le bollette da pagare o la famiglia da accudire. Eppure, in un angolo del cervello o dell'anima (come mi piacerebbe più ipotizzare), certe scintille sono difficili da spegnersi e ciò che un tempo regalava emozioni e divertimenti è sempre pronto a rivivere, stoccato come una riserva a cui attingere nei momenti più tristi della vita. Ecco allora prendere piede le operazioni nostalgia, magari affidate proprio a chi ha vissuto una certa epoca. Dopo Masters of the Universe (qua la mia recensione https://giurista81.blogspot.com/2026/06/recensioni-cinema-masters-of-universe.html), arriva un altro prodotto atteso da chi è nato negli anni '80 ma che, probabilmente, nulla dirà alle nuove generazioni per l'incapacità di adeguare il prodotto ai tempi moderni. Il punto di forza di queste operazioni, infatti, non risiede nello script o in una regia particolarmente ispirata, ma nella capacità di risvegliare memorie assopite, così da fare rivivere periodi lontani e con loro tutta una serie di ricordi correlati. È in questa ottica, seppure limitante, che deve essere assorbito un film come il nuovo Street Fighter. Da un punto di vista tecnico, è inutile girarci intorno, è più di una mezza delusione, sebbene i tentativi di farne un film di successo siano percepibili, come si evince dal finale aperto proiettato verso un eventuale sequel (il film non ha un vero epilogo). Non mancano i meriti. In prima battuta viene ripresa l'atmosfera del videogame, con tutti i personaggi di Street Fighter II, le loro mosse speciali, le musiche del videogame e le parole urlate dai combattenti nel mettere in atto i loro colpi secreti. Fin qui tutto bene, grazie anche all'ottima caratterizzazione guascona di Ken Masters (l'attore Noah Centineo ruba la scena a tutti dando una buona impressione sia fisica che recitativa), contrapposto a un medidativo e all'apparenza più equilibrato Ryu (abbastanza scialbo Andrew Koji), e a una Chun Li in versione bomba sexy (brava l'attrice Callina Liang, artefice di duro allenamento per sviluppare certe caratteristiche fisiche), a cui vengono esaltate le cosce (persino nelle battute dei personaggi) proprio come avveniva tra i commentatori/giocatori del videogioco. Funzionano anche il Dhalsim interpretato dall'ottimo Vidyut Jammwal, in vena di movimenti da contorsionista (è mancata la mossa segreta dello sputa fuoco), e la continua ironia che imperversa per tutto il corso del film e che contamina tutti i personaggi (forse in questo si è esagerato, perché tale soluzione tende ad appiattire i personaggi su un medeismo schema comportamentale). La nota dolens è la totale mancanza di idee in scrittura. Dalan Musson, lo sceneggiatore (Captain America: Brave New World), scopiazza l'impostazione del primo Mortal Kombat e appiccica un lungo flashback tarantiniano (si veda Kill Bill) in animazione (toni alla Kenshiro), diluito per tutto il corso del film, sulla preparazione comune avuta da Ryu (caratterizzazione dark e quasi monastica) e Ken nonché sullo scontro che ha portato alla morte del loro Maestro per mano del fratello di quest'ultimo divenuto demone (cliché che più rivisto non si può). Un altro leitmotiv è l'incapacità di Ken, a differenza di Ryu, di “sbloccare” l'hadoken (la palla di fuoco), motivo che ha portato alla depressione l'atleta americano (vera e propria altra faccia della medaglia di Ryu). Dunque action alla Kickboxer o alla Lionheart, con l'abusato tema del torneo tra gli otto migliori del mondo che si sfidano per la corona (con la presenza di un tale Joe, versione Ric Flair, che non si è capito chi sia), e fantasy alla Mortal Kombat (interferenza di demoni e presenza di un villain organizzatore del torneo che ricerca finalità egoistiche anziché lo spettacolo) si intrecciano in un polpettone che parte bene ma fatica a decollare, peraltro appiattendosi in sviluppi narrativi ripetitivi (il rapimento dell'eroe, la "vampirizzazione" dell'energia vitale, il confronto interminabile tra Ryu e Ken) banalizzati da rapporti interpersonali fanciulleschi e dalla totale mancanza di profondità psicologica dei personaggi. Emblematico il ruolo del presentatore del torneo, interpretato dal simpatico Eric André, che pare uscito da Scemo e più Scemo. 

Kitao Sakurai (arriva dalle serie Tv) alla regia ce la mette tutta. Prova a cadenzare le sequenze, chiede e ottiene un montaggio vivace, ma non può fare miracoli. Fotografia e scenografie tengono il gioco, mancano invece le idee in scrittura ed è questo il problema principale del film, che prova a mascherare i deficit con larghe dosi di ironia e comicità talvolta esasperata. Mr Bison è freddo e inespressivo (anonima prova di David Dastmalchian completamente annichilito dal predecessore Raul Julia), fissato con l'idea di rubare l'energia a tutti i migliori combattenti del globo per sprigionarla in colpi devastanti (altro movente banale). Blanka sembra un orsacchiottone dolce che cerca la mamma e che muta opinione sul suo padrone non appena gli viene suggerito che Mr Bison è un bugiardo. Vega, Zangiff, Honda e Balrog si limitano a ruoli da comparse, del tutto privi di un cenno di caratterizzazione (mentre si propone per dozzine di minuti i flashback del Maestro di Ken e Ryu). Guile (protagonista del film di De Souza) e Dhalsim sono appena abbozzati e pare di capire che stessero conducendo un'indagine su Mr Bison in ricordo delle missioni di pace che li avevano visti collaborare anni prima. Sagat addirittura è limitato al prologo in versione animata. Limitatissimo il sangue, sebbene i fighter si pestino all'inverosimile, con rallenty sui volti attinti dai pugni come avveniva nella saga Rocky. I combattimenti non vengono esaltati come nei film di Van Damme, ma appaiono freddi ed emotivamente appiattiti. Non si cerca l'epica né l'adrenalina tanto che, pur essendo ricco di azione, il film tende ad annoiare. Alla fine ne viene fuori un cartone animato che niente aggiunge e nulla lascia, se non una punta di malinconia suscitata dal richiamo alle musiche (belle), alle mosse (ben messe in scena) e ad alcune scenografie esaltate dai movimenti di macchina di Sakurai (si veda la carrellata in alto sul palazzo di Bison che omaggia la sigla iniziale del gioco). Se non si è stati giocatori del videogame negli anni '90, è un film che non può essere apprezzato. Se invece siete stati giocatori, probabilmente, qualche corda emotiva Street Fighter potrebbe smuoverla, ma non a sufficienza per farvi amare il film. Occasione persa.

 

 

 

Recensione Saggi: GLI OSCURI SEGRETI DI ALEISTER CROWLEY di William Seabrook.

 

Autore: William Seabrook.

Titolo Originale: Astounding Secrets of the Devil Worshippers' Mystic Love Cult.

Anno: 1923.
Genere:  Saggio Biografico.
Editore: Edizioni Arcoiris - Biblioteca di Lovecraft (2024).
Pagine: 256.
Prezzo: 14.00 euro.

Commento a cura di Matteo Mancini. 

Continua il lavoro di recupero di Aleister Crowley operato dagli amici fiorentini della Biblioteca di Lovecraft. Dopo le raccolte di racconti I Racconti della Bestia, Le Indagini di Simon Iff e I Ramoscelli d'Oro arriva il primo saggio incentrato sulla controversa figura del mago inglese. Genio o folle? Ciarlatano o Mago? Filantropo o Misantropo? Chi era davvero Aleister Crowley? Ce lo prova a dire, con una serie di dodici articoli apparsi su The Indianapolis Star tra l'1 aprile e il 17 giugno del 1923 e raccolti nel 2022 dall'editore Snuggly Books col titolo Astounding Secrets of the Devil Worshippers' Mystic Love Cult, il giornalista e scrittore suo conoscente diretto William Seabrook, famoso soprattutto per il saggio The Magic Island (di prossima uscita per la collana La Biblioteca di Lovecraft). Ne esce fuori un volumetto atipico per la collana La Biblioteca di Lovecraft, qua ancora edita da Edizioni Arcoiris, ascrivibile alla categoria dei saggi biografici. Il libro viene articolato in tre parti, di cui la seconda più sostanziosa. Si inizia con una retrospettiva, curata da Gabriele Scalessa, sulla vita e sulla produzione letteraria di Aleister Crowley. L'introduzione, abbastanza lunga, non è accattivante quanto la parte portante del volume ovvero i dodici articoli di Seabrook. Tende infatti ad assumere una piega saggistica, sorvolando su molti aspetti della filosofia crowleyana. Di ben altra presa il lavoro di Seabrook, succo del volume. Lo scrittore americano non prende la via del saggio accademico, ma racconta con dovizia di particolari molti episodi della vita comune che lo hanno visto testimone oculare delle vicende legate a Crowley. Rituali magici, partite a scacchi, mostre pittoriche, passeggiate per le vie di New York, fustigazione di donne accondiscendenti e raccoglimenti meditativi di oltre un mese in riva a un lago. In questo e altro fu coinvolto Crowley. Si tratta di eventi verificatesi nei primi anni venti, periodo in cui il mago era residente negli Stati Uniti. Ne esce fuori un profilo contraddittorio, fatto di opposti sintetizzati in un'unica quanto orignale figura. Personaggio estremo (“credeva che la suprema elevazione spirituale si potesse ottenere o per mezzo di una vita estrema o per mezzo di digiuni, mutilazioni e mortificazione della carne"), connaturato da un'altissima dose di autoironia, capace di vette monastiche come di bassezze sfrenate. Il culto delle droghe e della magia rossa contrapposti all'astensionismo dai piaceri e alla castità eremitica. Sperimentatore folle, conoscitore di psicologia, cultore di quello che oggi definiremmo "mentalismo" e, al tempo stesso, evocatore di atmosfere soprannaturali condotte seguendo rituali orientali ed egizi. Seabrook, a sua volta personalità tutt'altro che comune (racconta di aver degustato carne umana), non si sbilancia nel giudizio sul personaggio (è comunque percepibile una certe dose di stima). Sceglie la via del testimone a conoscenza dei fatti piuttosto che quella dello studioso o del calunniatore, senza nascondere perplessità e dubbi circa la reale capacità di Crowley di avere poteri magici. Da una parte elogia la filosofia dell'amico alla base del credo da lui stesso inventato (“Fai tutto ciò che vuoi sarà la tua unica legge”), dall'altra ritiene la stessa inapplicabile per l'uomo medio, ad avviso di Seabrook troppo bisognoso di una guida e incapace di autogestirsi a fronte delle continue tentazioni che Crowley si dilettava a rendere disponibili ai suoi fedelissimi (a esempio, intendeva curare la dipendenza dalle droghe, mettendo a disposizione dei suoi adepti ogni forma di droga).

La portata degli articoli è leggera, di presa commerciale e resa con un piglio narrativo lontano dai toni accademici. Il mago è ben caratterizzato e, nonostante le nefandezze di cui si rende partecipe (uccisione di un gatto, marchiatura a fuoco delle sue donne, adepti crocifissi o frustati a sangue, uso massiccio di droghe), finisce con l'apparire simpatico e burlone, addirittura capace di affascinare persone di diversa estrazione sociale, grazie all'interloquire forbito, all'aplomb britannico e alla smisurata cultura letteraria.

“Egli ritiene che ciascuno debba cercare di realizzare il proprio destino individuale sopra ogni altra cosa, scoprendo ciò che intende fare della vita, ciò che davvero vuole fare, e debba dunque conquistare la più alta guida e restarvi del tutto fedele”.

La seconda parte del volume si conclude con l'esperimento sociale condotto da Crowley per circa due anni a Cefalù, con la fondazione di una piccola comunità, da lui retta, del tutto isolata dalla società civile e cadenzata dagli insegnamenti del suo credo. Non manca lo spazio riservato agli scandali (editoriali e non) che raggiungono l'apice con la morte di un adepto di Crowley (a quanto pare per cause naturali) e con l'espulsione dello stesso dall'Italia come persona non gradita.

La terza parte del libro (abbastanza inutile), ripresa da un successivo articolo dello stesso Seabrook, è un riassunto della seconda che non aggiunge niente rispetto a quanto sia stato detto dalle precedenti pagine.

Dunque Gli Oscuri Segreti di Aleister Crowley è un simpatico e agile libricino con cui avvicinarsi allo studio dell'oscura figura del mago inglese, scandito dal piglio dell'indagine narrativa, piuttosto che con approccio accademico. Fondamentale, a tal fine, il fatto che si tratti di una raccolta di articoli pensati e usciti a puntate per i lettori di un periodico da edicole. Curatissima l'edizione, ricca di illustrazioni, ritagli di giornale dell'epoca e foto. Appetitoso il prezzo. Per chi voglia approfondire l'argomento segnalo Le Nozze Alchemiche di Aleister Crowley di Franco Pezzini per Odoya Edizioni.

L'autore William Seabrook.

“Crowley era una tale sconcertante miscela di bene e di male che non era mai prudente prevedere le sue azioni...”

Recensione Narrativa: VOCI DAL PROFONDO - Tributo a Lucio Fulci a cura di Andrea K. Lanza.

Autore: AA.VV. a cura di Andrea K. Lanza.

Anno: 2026.
Genere:  Antologia Horror.
Editore: Edikit Editore.
Pagine: 376.
Prezzo: 22.00 euro.

Commento a cura di Matteo Mancini. 

A trent'anni dalla morte del regista Lucio Fulci, dopo aver già pubblicato Il Fottuto Quarto Reich di Andrea K. Lanza (qua la nostra recensione: https://giurista81.blogspot.com/2026/03/recensione-narrativa-il-fottuto-quarto.html) e il saggio Beyond the Gates di Chaus Balun (qua la nostra recensione: https://giurista81.blogspot.com/2026/04/recensione-saggi-beyond-gates-di-chaus.html), la Edikit di Andrea K. Lanza completa il suo tributo con la terza uscita stagionale dedicata al Maestro romano, probabilmente la più attesa: l'antologia collettiva Voci dal Profondo. Il volume arriva a coronamento di un progetto, avviato a inizio 2026, frutto del connubio tra i racconti dei più qualitativi autori della casa editrice e una selezione (tra circa 150 proposte) di "wild card" invitate pubblicamente a proporre un proprio racconto ispirato alle atmosfere dei film di Fulci, conosciuto anche come “Il Terrorista dei Generi” o “The Godfather of Gore”. Ne è uscito fuori un volume poderoso, già andato a ruba alla sua prima uscita pubblica (si parla di 100 copie vendute a Stranimondi), unico a livello mondiale e portato in porto con una perizia tecnica tale da renderlo di valore altamente professionale, sebbene non vi siano nomi di particolare appeal pubblicitario. Pulito in editing e corredato dalle illustrazioni di Roberta Guardascione (una a racconto, più una per ognuna delle cinque sezioni in cui è articolato il volume). Il parco autori è assai conosciuto dagli appassionati e comprende organizzatori di festival internazionali (Davide Staffiero e Corrado Artale), saggisti enciclopedici di cinema e narrativa di genere (Mario Gazzola, Andrea K. Lanza e Matteo Mancini), sceneggiatori di film cult del circuito indipendente horror (Ivo Gazzarrini, Vincenzo Pandolfi, Filippo Santaniello e Morgan Wiederhorn), il vincitore della selezione racconti Master of Horror della Universal (Samuele Fabbrizzi) nonché una lunga serie di vincitrici di concorsi (tra i quali Samuele Berselli, Sara Ronco, Alessandro Schumperlin e Silvia Robutti), oltre a molti scrittori con all'attivo romanzi di genere e al recensore "genuino", capace di smuovere pletore di lettori entusiasti, Cesare Buttaboni. Dei trenta autori proposti, solo uno è alla prima esperienza narrativa, motivo per cui la lettura diviene ghiotta occasione per ampliare la propria conoscenza della "geografia" del fantastico italiano (troppo spesso limitata a un pugno di editori). Dunque, non appeal da major editoriali, ma gruppo solido di esperti e mestieranti nel genere.

Ciò che piace del libro è il suo volere essere cinematografico, privo di fronzoli o sperimentalismi letterari. Qui si respira la magia del cinema di genere e il lettore appassionato di Fulci non viene tradito da personalismi o da tentativi di mutare il contenitore di partenza. Ogni racconto omaggia il Maestro, talvolta proponendosi quale sequel di un suo film (Sangue di Miele di Ettone) talaltra come una riscrittura dagli esiti alternativi (La Madonna dei Cenci di Samuele Berselli) o ancora quale vero e proprio prequel (Ocron – Il Tempo dei Lupi di Domenico Maria Burzi) o ancora remake (Il Rogo di Beatrice Cenci di Cesare Buttaboni). Ci sono poi racconti in cui Fulci appare quale protagonista della storia, a esempio nel corso di una seduta psicanalitica dagli esiti opposti rispetto al suo Un Gatto nel Cervello (L'Incontro di Alberto Groppelli), oppure quale sadico sperimentatore che realizza film all'insaputa dei suoi stessi collaboratori (il musicista Keith Emerson), utilizzati quali attori in balia di eventi apparentemente inspiegabili (Note in Nero di Mario Gazzola) o infine presenza spettrale dietro le quinte pronto a scatenare un'epidemia zombie a danno delle attricette da quattro soldi del suo Zombi 3 (Le Fottute Zombi 3 di Lia Bachman). Più spesso però si tratta di racconti che assimilano le atmosfere o le sequenze di alcuni film del maestro (ritornante è l'immagine del prete che si impicca di Paura nella Città dei Morti Viventi o la nebbia avvolgente dell'epilogo de L'Aldilà) per plasmare soggetti originali, tra zombie, vampiri in cerca della donna con cui fare figli (l'ottimo e simpatico L'Eredità Nicosia di Corrado Artale), streghe cattive contrapposte a streghe buone (L'Elefantessa di Morgan Wiederhorn e Una Bionda Rosso Sangue di Sara Ronco), sceneggiatori autori di copioni in odore di plagio non autorizzato (Il Silenzio delle Porte di Vincenzo Pandolfi), filmaker stanchi di non essere mai selezionati nei concorsi di cinema indipendente (Lo Squaratore di Prenestino di Filippo Santaniello), adolescenti impegnati in social challenge (Due Rane nel Cervello di Samuele Fabbrizzi) o prove iniziatiche (La Casa della Vecchia Madjorie di Ivan Scarabocchio) che li portano a compiere violazioni di domicilio nelle case sbagliate e molto altro ancora, tra horror, western, fantasy, fantascienza distopica in salsa action (bellissimi i contributi di Roberto Piccinini con La Gladiatrice e di Marco Figoni con La Stramilano dell'Anno 2072), thrilling e tocchi noir. Non mancano infine racconti in cui la componente fulciana è appena accennata (il black humor di Tutte le cose di Mark di Silvia Robutt). Ce n'è davvero per tutti i gusti (manca la commedia di Franco & Ciccio, il musicarello e le commedie di inizio carriera), anche se l'ingrediente horror grandguignolesco proiettato nell'aldilà appare dominante. Su quest'ultimo versante spicca il racconto lovecraftiano di Roberta Guardascione Shadowplay (tra i più inquietanti del lotto), mentre commistionano Fulci con Clive Barker (omaggiato dal regista romano nei credits del film Voci dal Profondo) Luca Sorsoli col suo 24mila Baci e Matteo Mancini (il sottoscritto) con l'anti-lovecraftiano Il Mare delle Tenebre citato dal curatore Lanza come "l'unico avente una chiusura solare". Più fedele al maestro, ma nel medesimo solco del film L'Aldilà, il già citato racconto di Pandolfi e Terror dello sceneggiatore Ivo Gazzarrini. Chiude l'antologia il curatore Andrea K. Lanza con un omaggio a I Quattro dell'Apocalisse e al regista Jodorowski estrinsecato dal racconto New Eden. Atmosfere e scene da Paura nella Città dei Morti Viventi per Good Morning, Darling! di Ilaria Oliviero e La Collina di Evag Nori. Questo giusto per fare un sintesi, peraltro neppure esaustiva. Trenta racconti per un'antologia che sarà sicuramente un successo e che centra appieno il suo intento, evidenziando l'ottimo lavoro di selezione operato dal curatore, bravo anche a rendere omogeneo (per stile, contenuti e atmosfere) il gruppo di storie, senza cedere a personalismi, riscritture alternative e approcci finalizzati ad allontanarsi dalla matrice costituita dal cinema di genere italiano degli anni '60, '70 e '80. Se amate Fulci, non perdetevi questa perla.

 

TUTTI I RACCONTI ANALIZZATI NEL DETTAGLIO: ATTENZIONE SPOILER

Antologia imponente, ben diretta da Andrea K. Lanza che propone più della metà degli autori della propria scuderia, ovvero scrittori già pubblicati da Edikit, e potenzia il tutto pescando wild card con il format della selezione aperta a tutti. Almeno 150 racconti pervenuti per circa una dozzina di posti, per il gruppo degli ospiti. Ampio il ventaglio di generi di film rappresentati, anche se l'horror tende a essere prevalente. Notevole il risultato finale, soprattutto per la capacità del progetto di rispettare la fonte iniziale di ispirazione. Almeno metà dell'antologia è composta da racconti memorabili, con l'altra metà comunque rappresentata da storie interessanti e ben intonate all'argomento. Tra tutti brilla Ocron – Il tempo dei Lupi di Domenico Maria Burzi, scrittore e collaboratore Edikit nonché traduttore del saggio Beyond the Gates. Si tratta di un sword & sorcery estremamente violento e brutale che si pone quale ideale prologo di Conquest. L'autore modella con maestria la storia, scandisce il ritmo con piglio pulp e pennella un'atmosfera cupa e disperata superiore alla pellicola di Fulci. Una gran bella prova, molto particolare all'interno del lotto. Adoro il finale fulcianissimo, con la piccola strega divenuta donna (Sabrina Siani interpreterà il ruolo nel film di Fulci).


Piegano sulla sci-fi distopica, guardando a I Guerrieri dell'Anno 2072, La Gladiatrice e La Stramilano dell'Anno 2072. Il primo, firmato dall'eccellente Roberto Piccinini, è un action di ambientazione pseudo-romanica (in realtà siamo a Grosseto) ambientato in un'arena riservata a combattimenti tra amazzoni armate di gladio e di altre strumentazioni futuristiche. Siamo infatti nel futuro, con triceratopi concepiti dall'ingegneria genetica utilizzati come fiere da spettacolo, violenza e un'atmosfera alla Gladiatore 2. Notevole e ultra divertente, un racconto perfetto per una rivista pulp che non avrebbe affatto sfigurato sui magazine americani di inizio secolo scorso. Più debitore del King versione Richard Bachman il secondo racconto, firmato da Marco Figoni, che propone una Lunga Marcia in salsa picchiaduro, inscenata in una Milano soffocata dall'inquinamento e percorsa da bande di punkettoni dove l'intelligenza artificiale governa al posto degli uomini. Cattivissimo il finale. A differenza del precedente racconto, non vi è gloria per i vincitori. Figoni inserisce, ed è uno dei pochi a farlo, una marcatissima satira finale (epilogo un po' movente di M. Bison nell'ultimo Street Fighter, tra l'altro). Molto bello anche se, a mio avviso, migliorerebbe allungandogli la distanza. Come per Burzi, si tratta di due autori della scuderia Edikit. Sull'argomento, la Edikit ha pubblicato di recente un romanzo fiume intitolato Gli Ultimi Campioni di Giovanni Cozza che, ovviamente, ho già nella mia biblioteca.

Un quarto racconto che ho trovato eccellente è l'horror lovecraftiano Shadowplay dell'illustratrice Roberta Guardascione (altra collaboratrice Edikit nonché illustratrice dell'intero volume) che riesce a coinvolgere e a inquietare, plasmando forse la storia più paurosa dell'antologia. Evoca un po' certe atmosfere alla I Vendicatori di Stephen King (la parte ambientata nella miniera), rimanda a Lovecraft e a un racconto di Luigi Musolino vincitore del Premio Hypnos (Nere Colline del Supplizio) con degli scavi che portano alla luce un'antica necropoli da cui si libera una divinità pagana che riduce alle tenebre la cittadina. Finale apocalittico e presenza di un artista performativa alla caccia di un numero artistico senza precedenti. Notevole.

Sceglie la via del western trascendente Andrea K. Lanza con New Eden, una storia tragica (si parla di abusi subiti da una giovane ragazza che poi diviene donna) che riprende i nomi dei protagonisti de I Quattro dell'Apocalisse, ma prende una via tutta sua, tra sacro e profano, per miscelare Lucio Fulci a Jodorowski e plasmare un racconto autoriale abbastanza onirico, culminante in un'aldilà lanzaniano dove il paradiso deflagra in un inferno di disperazione. Molto particolare.

Un altro racconto diverso dagli altri è Sangue di Miele di Ettone, al secolo Fabio Cecconello, ideale sequel sia del film Opera di Dario Argento sia de Il Miele del Diavolo di Fulci. L'autore parte dal fatto che le attrici chiamate a interpretare le protagoniste dei due film erano le sorelle Marsillach per fare metacinema, immaginando che anche i due distinti personaggi fossero sorelle. La matrice argentiana, sia per trama che per stile visionario/cinematografico, prevale su quella di Fulci. Il racconto infatti segue lo schema di Opera riproponendone il soggetto e persino un omicidio. Buono lo stile narrativo.

Ricorda vagamente Luca il Contrabbandiere l'inizio di Oltreconfine dello svizzero Davide Staffiero, un'altra eccelsa prova stilistica che passa da un genere all'altro chiudendo con un tributo a Paura nella Città dei Morti Viventi. Il racconto non va oltre l'intrattenimento, ma funziona ed è perfettamente calibrato al tenore del progetto. Grande penna, autore di diversi volumi per Edikit come l'antologia Pruriti e il romanzo complottista Loggia K. Acquisterò suoi volumi.

Punta all'onirismo metacinematografico l'esperto Mario Gazzola con Note in Nero, un thriller dove il musicista Keith Emerson diviene vittima del sadismo di Lucio Fulci che lo rende protagonista inconsapevole del suo film. Una sorta di scherzi a parte in salsa thrilling. Di spessore il prologo (forse il più bello del volume) in cui viene tributato Una Lucertola con la Pelle di Donna. Delirante al punto giusto, con dialoghi sul cinema fulciano e un omaggio a quella che sarebbe dovuta essere la trilogia della musica avviata da Murderock. Non manca poi tutto un discorso sulla musica quale chiave d'accesso ai mondi ulteriori.

Bello anche il kinghiano L'Elefantessa dell'americano Morgan Wiederhorn, che omaggia più Carrie che Aenigma. Una ragazza obesa è vittima degli scherzi dei compagni di scuola e, più in particolare, dell'amica super figa. Apparentemente innocua, la giovane è in realtà una strega capace di vendicarsi e di tramutarsi in una bella ragazza. Buono lo sviluppo, mi convince meno l'epilogo metaforico con autocannibalismo.

Verte sulla comicità L'Eredità Nicosia dell'esperto Corrado Artale che propone il sequel de Il Cav. Costante Nicosia Demoniaco ovvero: Dracula in Brianza e, al tempo stesso, col sottotitolo “Nastro Rosso in Brianza”, parodizza Rosemary's Baby (qui il bimbo che nasce è clamorosamente umano), riscrivendo le caratteristiche dei vampiri e proponendo la storia di un padre che cerca di spingere il figlio a dargli un nipote copulando con un psicologa sadica che sa come tenere a bada l'indole aggressiva di un vampiro. Black comedy. 

Tra i racconti particolari c'è anche il mio Il Mare delle Tenebre, forse un po' didascalico nei dialoghi, che parte dall'epilogo de L'Aldilà per cercare di trovare “nel mare delle tenebre” uno spiraglio di luce che possa consentire di non vivere nel terrore e di trovare in questa vita la chiave per scongiurare quello che definiremmo l'inferno. Filosofia da intrattenimento e qualche piccolo omaggio a Hellraiser.

Elegante omaggio a Murderock Uccide a Passo di Danza per Luigi Pellini e Imago 1973. Insieme a Lanza, si tratta di un racconto più intellettuale rispetto agli altri, con qualche vago omaggio a La Casa di Dio dello stesso Lanza. Ci troviamo in una scuola di danza di ambientazione futuristica. A suggerirlo è l'intelaiatura distopica che propone una sfida tra una serie di candidate ignare del fatto che la vincente non troverà la gloria nel mondo dello spettacolo, ma rimpiangerà i tempi in cui veniva giudicata una buona a nulla. Dialoghi studiati, flashback e tratto poetico.

Tra i tanti racconti horror ho trovato assai inquietante La Chiesa dalle Orbite Vuote di Alessandro Schumperlin che si concentra sulle torture sull'occhio, tipiche della cinematografia di Fulci, ma anche sul restauro di un dipinto maledetto e di un'ambientazione un po' alla La Casa dalle Finestre che Ridono. Inquietante.

Mi è infine piaciuto particolarmente il western, abbastanza classico, I Quattro della Redenzione di Andreina Grieco, che tratta il genere con una sensibilità maschile da esperta di storie pulp. Personaggi ben definiti (simpatico il baro che lancia carte da gioco, così come la ballerina del saloon con il vizio della piromania), omaggi a I Quattro dell'Apocalisse caratterizzati dallo scorticamento del personaggio interpretato da Robledo e dall'inizio in cella, sparatorie e continui tradimenti provocati dalla bramosia di mettere le mani sul bottino di dollari rubati da un noto bandito chiamato “Il Contabile” (è un po' il plot de Per Qualche Dollaro in Più). Non può non piacere ai fan degli spaghetti western.

Concludo il primo gruppo di quindici racconti con il perverso Una Bionda Rosso Sangue di Sara Ronco, un mix tra horror stregonesco e atmosfere thrilling non troppo fulciane (a parte forse a qualche vago rimando a Non si Sevizia un Paperino e alla Barbara Bouchet corruttrice di ragazzini). A ogni modo, il racconto funziona più come fiaba nera che come giallo all'italiana con serial killer in azione. Il sottotesto di critica ai preconcetti (non sempre il brutto è sinonimo di malvagità) e il tentativo di ipotizzare una collaborazione tra sacro e profano finalizzata ad arginare il male apportano punti nel carniere. Incisivo e cattivissimo l'epilogo (la cosa migliore del racconto).

E dietro questi racconti, ci sono storie meno riuscite? Ni. Persistiamo a trovare racconti funzionali alla causa, talvolta buoni, talaltra un filino ridondanti se letti nel complesso dell'antologia. Tra gli elaborati più riusciti vi è sicuramente L'Incontro di Alberto Groppelli, a cui Lanza concede giustamente l'onore e il privilegio di aprire l'antologia. Groppelli propone una seduta/tortura psicanalitica che porta a galla il sadismo di Lucio Fulci, vittima e protagonista della vicenda, in una sorta di ribaltamento de Un Gatto nel Cervello.

Particolare il tarantiniano (per i dialoghi sullo stile de Le Iene, quando Steve Buscemi parla delle mance) Le Fottute Zombi 3 di Lia Bachman che, su idea dello stesso Lanza, immagina una realtà parallela alla nostra dove, nelle Filippine, le attricette di Zombi 3 finiscono col trasformarsi effettivamente in zombi dopo aver assunto, per sbaglio, una medicina di Fulci fornitagli da un santone voodoo per farlo ingiovanire e perdere peso. Delirante e in vena di omaggi allo stesso Lanza e al suo Il Fottuto Quarto Reich.

Mattanza splatter nel divertente Lo Squartatore di Prenestino che, più che omaggiare Fulci, tributa Demoni di Lamberto Bava. Ben strutturato in capitoli, propone la vendetta di due filmaker stanchi di essere respinti in tutti i concorsi che li hanno visti partecipare. Travestiti da Freudstein (il mad doctor de Quella Villa Accanto al Cimitero) e da Paperino, i due registi mancati decidono di compiere un mattanza la notte di Halloween, mentre è in corso la proiezione di Zombi 2 al Fulci Horror Festival. Sangue a go go. Finale beffardo e presenza di personaggi con i nomi storpiati legati alla cinematografia horror italiana, tra cui lo stesso Lanza. Simpatico il finale.

Va sul remake di Beatrice Cenci, Cesare Buttaboni col suo Il Rogo di Beatrice Cenci. Storia non troppo interessante per ¾ (ripropone le vincende del film), ma chiusa piuttosto bene. Nota dolens una serie di espressioni (tipo “l'odore della paura”) e una costruzione di frasi tipiche dell'intelligenza artificiale (soprattutto la struttura tripartita tipo “Per la prima volta da mesi, pregò davvero. Non per la salvezza. Per la fine” oppure la negazione seguita dall'affermazione tipo “non era quello, ma era questo”). Il soggetto gira fluido ma senza grandi guizzi. L'epilogo pessimista che immagina la prosecuzione delle violenze anche nell'aldilà gli conferisce qualche punticino. Resta comunque un racconto tutt'altro che genuino, lo definirei confezionato senza cuore e senza anima. Sarà sicuramente il preferito tra i lettori del fan club Buttaccioni (inutile dire che non è una corsa di somari, questa, come direbbe qualcuno che riceve riconoscimenti al Premio Italia).

Chi invece il cuore ce l'ha è il protagonista di Tutte le Cose di Mark, firmato da Silvia Robutti. Meno intonato rispetto ad altri alla tematica fulciana, soffre un plot piuttosto abusato (si veda anche il recente film Blood Star), ma ha il merito di chiudersi in salsa black humor. Un infermiere che ha perso tutto si imbatte, suo malgrado, in una coppia di serial killer che espongono nella loro casetta i trofei delle vittime. Avete mai pensato a che valore potrebbero avere le protesi e gli innesti medici?

Ideale sequel del racconto di Buttaboni è La Madonna dei Cenci di Samuele Berselli, che confeziona un racconto di ben altro livello rispetto al compitino del collega. Qui il tentativo di parricidio ordito da Beatrice Cenci non è andato a buon fine, delineando quindi una riscrittura alternativa della vicenda. L'aldilà riserva alla giovane la possibilità di vendicarsi e così, in forma ectoplasmatica, Beatrice ucciderà, uno per volta, tutti coloro che hanno arginato il suo piano. Epilogo con omaggio, non so quanto volontario, alla morte del prete de Il Presagio. Tarantino apprezzerebbe.

Inquietante e ricco di tensione Terror di Ivo Gazzarrini (sceneggiatore di Ivan Zuccon e scrittore Edikit) che omaggia l'anti-finale de L'Aldilà, con l'idea della casa maledetta infestata da oscure presenze e dei due protagonisti attorniati da spettri che sussurrano i loro nomi. Stilistico.

24 Mila Baci di Luca Sorsoli è un mix di omaggi, da Il Mostro di Firenze, passando per Hellraiser (che trovo preponderante) e L'Aldilà. Lo stile è buono, il gore marcato. L'omaggio a Celentano e alla canzone scritta da Fulci sono giusto un omaggio (nel caso del Mostro si trattava de La Tramontana di Antoine, ma senza St. John), il racconto è un horror duro. Non originale, ma ben gestito.

Sfocia ne L'Aldilà anche Il Silenzio delle Porte di Vincenzo Pandolfi che immagina una serata in una sorta di pub in cui uno scrittore presenta l'ultima sceneggiatura destinata a Fulci mai realizzata e da lui stesso riadattata per confezionare il sequel de Le Porte del Silenzio. Il palesarsi del reale sceneggiatore – in verità la morte stessa (così la mia interpretazione) – determina un contrasto alquanto violento tra lo scrittore e lo stesso che culmina in un passaggio dimensionale che non potrà altro che essere l'accesso ne “il mare delle tenebre”. Interessante.

Piuttosto simili sono i contributi di Samuele Fabbrizzi e Ivan Scarabocchio, che vanno sul body horror immaginando violazioni di domicilio a danni di soggetti tutt'altro che raccomandabili. In Due Rane nel Cervello di Samuele Fabbrizzi una social challenger porta due ragazzini a penetrare nell'abitazione di due giovani sposini che hanno perso da poco il loro figlio. Delirio necrofilo e voodoo. La Casa della Vecchia Madjorie di Ivan Scarabocchio è un horror che osa un po' meno e guarda a Quella Villa accanto al Cimitero, seguendo un plot simile a quello di Fabbrizzi: una prova di coraggio (entrare nella casa della donna più stramba del paese) si trasforma in un orrore sotterraneo da cui non è ammesso ritorno. Ho notato qualche vago rimando a Phenomena.

Necrofilia alla Stevenson (penso a Il Ladro dei Cadaveri) per Il Convivio di Valerio De Santis, che plasma una storia dall'ottima atmosfera in cui l'incertezza di quello che potrebbe succedere serpeggia per tutto il testo salvo poi palesarsi all'ultima riga nell'atteso finale. Funziona più per atmosfera che per trama.

Ancora cimiteri protagonisti in Good Morning, Darling di Ilaria Oliviero, una prova stilistica che occhieggia alla scena delle sepoltura prematura di Paura nella Città dei Morti Viventi, proponendo la fuoriuscita di uno zombi cosciente del suo stato e affamato.

Ghost story che ribalta le impressioni iniziali La Tara della Famiglia Barrett di Andrea Torniamenti, dove i rimandi a Fulci sono marginali.

La scena del prete impiccato e dei morti viventi che ritornano dall'inferno viene proposta anche ne La Collina – Sguardi di Sangue dall'Aldilà della debuttante Evarg Nori che fornisce valida prova, orientata decisamente in salsa splatter.

 

CONCLUSIONI.

Se siete fan di Fulci e del cinema di genere italiano, soprattutto l'horror (anche se qua trovate eccellenti esempi di sci-fi alla Sheckley o alla Bachman/King, un solido action western, un eccellente sword & sorcery al femminile, esperimenti di meta-cinema e altro), non lasciatevi scappare questa antologia che ha tutti i crismi per sopravvivere nel tempo e diventare cimelio da collezione. Compratela, non ne resterete delusi.